Blog de J.C.Alonso (musical)

PREMIOS GÓMEZ 2011 (7ª EDICIÓN)

2012-01-18T19:21:00.001+01:00

Artista: Hiromi Uehara

Disco: HiromiUehara

Canción: El Columpio Asesino

Suite: Yes

Cantante titi: El Columpio Asesino

Cantante tío: Haken

Tecla: Hiromi Uehara

Cuerda melódica: Orianthi

Cuerda rítmica: Karmakanic

Viento: GeorgeThorogood

Percusión: HiromiUehara

Aspecto expresivo: ElColumpio Asesino

Aspecto técnico: ElColumpio Asesino

Aspecto musical: Yes

Sonido: ElColumpio Asesino

Concierto: ------------------------------

Grupo español: ElColumpio Asesino

ARTISTA

Hiromi Uehara

El Columpio Asesino

Yes

Orianthi

Proto-Kaw

DISCO

Hiromi Uehara, “Voice” (2011)

El Columpio Asesino, “Diamantes” (2011)

Proto-Kaw,con “Forth”, (2011)

Yes, con “Flyfrom here” (2011)

Karmakanic,con “In a perfect world” (2011)

Haken, con “Visions” (2011)

Conqueror, con “Madame Zelle” (2010)

CANCIÓN

El Columpio Asesino, con “Toro”

Karmakanic,con “Turn it up”

HiromiUehara, con “Now or never”

Orianthi, con“Believe”

Proto-Kaw,con “Lay down”

Soniq Circus,con “Inside the hourglass”

Conqueror,con “Ad occhi alti”

AvrilLavigne, con “Wish you were here”

GeorgeThorogood, con “Drop down mama”

The Gourishankar,con “Insomnia”

SUITE

Yes, con “Fly from here”

Haken, con “Visions”

Conqueror, con “Margaretha”

GostaBerlings Saga, con “Island”

VOZ ELLAS

El Columpio Asesino, con Cristina Martínez

Conqueror, con Simona Rigano

Cat Power

Orianthi

VOZ ELLOS

Haken, con Ross Jennings

GeorgeThorogood

Proto-Kaw,con Kynn Meredith

Motörhead, con Lemmy

MEJOR TECLA

Hiromi Uehara (piano)

Haken, con Richard Henshall

Neal Morse

Yes, con Geoff Downes

MEJOR CUERDA MELÓDICA

Orianthi

Neal Morse,con Steve Morse

Yes, con SteveHowe

Pagan’s Mind, con Jorn Viggo Lofstad

MEJOR CUERDA RÍTMICA

Karmakanic,con Jonas Reingold

HiromiUehara, con Anthony Jackson

Yes, con Chis Squire

Neal Morse,con Randy George

MEJOR VIENTO

George Thorogood, con Buddy Leach, saxo

Conqueror, con Sabrina Rigano, flauta y saxo

Proto-Kaw, con Hohn Bolton, saxo y flauta

Neal Morse, con Mark Leniger, saxo

MEJOR PERCUSIÓN

Hiromi Uehara, con Simon Phillips

Karmakanic,con MarcusLiliequist

Neal Morse,con Mike Portnoy

TheGourishankar, con Cat Heady

ASPECTO EXPRESIVO

El Columpio Asesino, por lo hipnótico de su música

Hiromi Uehara, por la intensidad de su música

Motörhead, por su marcha y su buen rollo

George Thorogood, por su marcha

ASPECTO TÉCNICO

El Columpio Asesino, por su ambiente

Proto-Kaw, por su mezcla de estilos

Haken, por su ambiente

Neal Morse, por la estrutura de disco de “Testimony 2”

ASPECTO MUSICAL

Yes, por el juego de compases

El Columpio Asesino, por sus coros

Haken, por su composición

Neal Morse, por sus coros

SONIDO

El Columpio Asesino

Motörhead

Haken

GeorgeThorogood

CONCIERTO

GRUPO ESPAÑOL

El Columpio Asesino

Desaparecido en combate

2011-07-06T05:41:00.000+02:00

Ya lo veis, colegas virtuales, hace semanas que no cuelgo nada. Mi nuevo empleo, por suerte y/o por desgracia me ocupa muchísimo tiempo, y el poco libre que me queda no me da casi ni para escuchar música. Supongo que algún día apareceré, pero de momento me voy a tomar un descansillo digital.

Saludazos a todos y feliz verano. Lo del feliz verano es sólo para los del hemisferio norte (un guiño al vuelo).

Queen

2011-05-29T23:32:00.000+02:00

Queen no es lo mío. Sé que hay muchos buenos escuchadores de música (como Benet) que no estarán de acuerdo conmigo, pero que Queen no sea lo mío sólo es mi problema.

Queen es una de las bandas más importantes de la música moderna, sea rock o sea pop, es indiferente, las etiquetas están de más es una banda como Queen. Muchas de sus canciones se han convertido en himnos para muchísima gente y ganan solera con el tiempo. Y Freddie Mercury es un caso aparte, un personaje único en el mundo de la música. Todo lo que ha pasado a lo largo de su vida, incluso el final, ha servido para alimentar su leyenda y la de su banda. Sin ningún reparo se le podría considerar el mejor cantante de la historia, en todos los aspectos: voz, espectro de voz, técnica, expresión, comunicación… Freddie es la gran estrella, pero el resto de la banda no desmerece en absoluto su calidad.

Pero todo esto no quiere decir que estés obligado a que te guste su música. Hay muchas canciones de Queen que me encantan, pero aparte de “Innuendo” no puedo decir que haya otro disco que me guste de cabo a rabo. No es la técnica, ni la composión, ni la interpretación, es el tono, lo encuentro demasiado solemne para mi gusto, la música de Queen me resulta muy pomposa, incluso a veces empalagosa. Evidentemente no me refiero a los momentos en que muestran todo su poderío rockero, el que conozca bien la música de Queen sabe perfectamente a qué me refiero. Y digo “bien” porque muchas de sus canciones no han parado de sonar en los medios desde que se publicaron (ni pararán), pero si no se escuchan todos los discos de una banda no se puede tener una opinión completa, por eso me puse manos a la obra para llenar ese vacío cultural. Me interesaban sobretodo los primeros, los más rockeros, y sí, hay canciones que me gustan pero el conjunto no me convence del todo.

Es el momento de echar mano del tópico: pa gustos los colores.

Megadeth

2011-05-23T20:36:00.000+02:00

En cierta etapa de mi vida me desvinculé casi totalmente del heavy metal por ciertas razones. Siempre se tiende a creer que las cosas son para siempre, pero nada es para siempre. Desde hace un tiempo he ido recuperando los conocimientos metaleros donde los dejé, ya sea buscando por mí mismo o con la inestimable ayuda de Falcatruan de Katarsia.net.

Megadeth. Con Megadeth me quedé en el primer disco. Me gustó mucho, pero supuse erróneamente que habían evolucionado al thrash metal bestia, que era lo que tocaba entonces, y perdí el interés, a pesar de que ganaron muchísimo prestigio entre los metaleros. El prestigio no se gana porque sí, ahora que he escuchado toda su discografía me ha dado cuenta del calibre de esta banda. Después de su primer disco publicaron otros tres que mostraban una evolución parecida a la de Metallica: cada vez mejores en todos los sentidos. Poco a poco su música iba siendo más técnica, más compleja y elaborada, con mejor instrumentación, sonido y voz, sin renunciar nunca a la potencia y la velocidad, pero sin basarse en ellas como reclamo; con el resultado de su obra cumbre “Rust in peace”, que junto con “And justice for all” de Metallica me atrevería a decir que sentaron las bases del actual metal progresivo.

A partir de ahí, siendo ya un grupo consagrado, se dedicaron a experimentar, que es lo que hacen las bandas con inquietudes musicales siempre nuevas y diversas. La experimentación puede traer resultados difíciles de encajar en el mercado, pero supongo que eso a Megadeth no les importó demasiado, ellos se han dedicado a hacer la música que les ha dado la gana y punto, pasando incluso por discos como “Risk”, lleno de melodías y ritmos pop, más cercanos a Aerosmith que a Metallica; sacando discos con más o menos caña, con un sonido más o menos potente pero siempre elaborado y diferente.

Me quedo con los cuatro primeros. No me puedo explayar demasiado porque los he escuchado todavía pocas veces y no me quiero pasar de listillo, pero lo que sí sé con toda seguridad es que son cuatro joyas del heavy metal que hay que escuchar con mucho mimo y muchas veces para apreciar realmente lo que hay en ellas.

Flotsam and Jetsam – “Doomsday for the Deceiver” (1986).

2011-05-15T23:49:00.000+02:00

Uno de los discos que me engancharon antes de desvincularme temporalmente del heavy metal fue éste de Flotsam and Jetsam. El camino que seguía el estilo no me gustaba, las voces, el sonido y la actitud del heavy metal se desbocó por completo. Pero a lo que nunca renuncié fue a la velocidad. Eso sí, con un cierto límite. Por eso me gusta tanto este disco de Flotsam and Jetsam. Es speed metal puro, con una voz suave y agradable, con agudos pero sin abusar, uno sonido ligero desde el punto de vista del género, buenos músicos, sobretodo el batería, que se luce continuamente, buenas y variadas canciones, y momentos muy intensos y profundos, sobretodo en las partes lentas.

He escuchado algo más de la banda pero no me ha convencido, por lo que sé se adaptaron a la tendencia del momento y cambiaron bastante su estilo. Eso no quita que este disco sea una verdadera joya, un discazo de speed metal con mucha, muchísima velocidad.

George Thorogood – “The Dirty Dozen” (2009).

2011-05-11T08:58:00.000+02:00

La época más fiestera de mi juventud estuvo marcada por muchos discos, uno de ellos fue “Born to the bad” de George Thorogood. Inolvidables aquellos trayectos hacia el garito más marchoso del barrio en mi andrajoso Corsa TR, con la música a toda leche y los cinco, seis o siete colegas cantando a viva voz en espanglish las canciones de George Thorogood. No está mal de vez en cuando recordar aquellos momentos. Hacía siglos que no sabía nada de GT, y he descubierto que sigue dando caña. “The Dirty Dozen” es un disco con canciones nuevas y viejas. Las viejas no hacían falta alguna, no es necesario tenerlas en discos diferentes, las que importan son las nuevas, y son la hostia.

GT, después de muchísimos años, conserva absolutamente todo lo que tenía y al mismo nivel, y se mantiene fiel a a su estilo y sobretodo a su esencia. Las canciones nuevas tienen el mismo ritmo, la misma marcha, el mismo sonido, la misma voz y el mismo todo que las viejas. Pero lo más importante es que conserva ese feeling tan increíble que tan buenos momentos me dio hace muchos años.

Desde aquí quiero enviar un abrazo, aunque no llegue, a aquel gran colega llamado Carlos, mundialmente conocido como “Gos”.

Aquí hay una buena muestra en directo.

“Es el momento de lucirte, Orianthi”

2011-05-02T09:37:00.000+02:00

“Cuando ellos paran, tú sigues, y das tu nota más alta.
Es el momento de lucirte.
Alto, muy alto.
Lo más alto.
Es el momento de lucirte.

Estaremos ahí contigo”.

Si has visto “This is it” seguro que te sonarán estas palabras. Son de Michael Jackson e iban dirigidas a Orianthi Panagaris, la que iba a ser la guitarrista principal del espectacular show que estaba montando, pero pasó lo que pasó… Viendo la película se deduce que Michael estaba en muy buena forma y… ¿nos vamos a poner a hablar de Michael Jackson? Cierto es que nunca se habrá hablado bastante del que considero -con toda la objetividad posible- el más grande artistazo que ha parío madre, pero no soy quién para hablar de él. Que lo considere así no quiere decir que sus canciones hayan sonado alguna vez en mi coche.

Pero… ¿Y Orianthi? ¿Quién es Orianthi?

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Ha muerto Scott Columbus

2011-04-29T18:46:00.000+02:00

Vaya racha llevamos. Su nombre no será tan conocido como el de Dio o Gary Moore, pero su aportación a la música es de un grandísimo calibre. Scott Columbus fue el batería de Manowar en su mejor etapa. Formó parte de la banda desde “Into Glory Ride” (’83) hasta “Warriors of the World” (’02) , se apartó temporalmente por ciertos problemas ajenos a la música que no vienen al caso explicar aquí y se reenganchó con “Gods of War” (’07).

Scott Columbus me enseñó muchísimo. Con él aprendí a apreciar su instrumento, aprendí que la batería puede ser el elemento creativo más importante de una canción, no sólo un componente rítmico. Al lado de Joey DeMaio formaron la base rítmica (y melódica) más impactante y perfecta de la historia del heavy metal.

Ahí quedan discos maravillosos como “Into Glory Ride” o “Hail to England”. Odín te acoja en Valhalla, Scott, has muerto en la batalla y mereces ir allí.

Re-Animator – “Laughing” (1991).

2011-04-28T12:21:00.000+02:00

En mi eterna lucha contra la incultura musical decidí adentrarme un poco en el mundo del thrash para ver qué me había perdido. Para ello conté con la inestimable ayuda directa y personalizada de Katarsia. (Guiño). Uno de los discos que me recomendó fue éste de Re-Animator. Es un disco muy enérgico pero sin brutalidades, resulta asequible para cualquier escuchador de heavy metal clásico. Éste disco tiene todos los ingredientes del género: un sonido muy potente, mucha marcha, voz principal dura y poco melódica, solos, estructuras elaboradas, algún coro estilo hooligan…, es decir, energía pura.

Pero hay algo más. Re-Animator decidieron aquí (sólo puedo hablar de este disco, no conozco más) experimentar integrando elementos que los desmarcaban del purismo exagerado del género y la época, lo que probablemente les costó el no ser considerados unos de los mejores. Introdujeron elementos como el rap o el reggae, sonidos y patrones rítmicos más propios del funky, y lo más curioso, los metales, consiguiendo una mezcla de estilos curiosísima que puede hacer las delicias de cualquier buen escuchador de música.

Un discazo estupendo y muy original que se sale de la norma, justo por eso el disco tiene un interés añadido que no se puede pasar por alto.

Soy un pagano del género, por tanto si alguien quiere agregar o corregir algo se lo agradeceré.

Conqueror – “Madame Zelle” (2010)

2011-04-25T18:52:00.000+02:00

Excelente rock progresivo italiano cuya particularidad principal es su cantante. Utiliza el italiano (gracias), pero lo curioso es que muchas veces recuerda a una cantante de fados. Su estilo es muy sencillo y tranquilo, sin excesos, pero su técnica es apabullante y su expresividad encandila. Un diez por Simona Rigano, que también toca los teclados al mismo nivel que canta.

El sonido es sencillo, como suele ser en el progresivo italiano, cercano a lo acústico, ideal para diferenciar claramente todos los instrumentos, lo que viene a ser una gozada porque todos los músicos son estupendos. Hay largos desarrollos instrumentales, con pocas peripecias de virtuosas, porque lo importante en esta banda son los ambientes, fantásticos a lo largo de todo el disco.

Las canciones superan todas los cinco minutos y las estructuras son complejas, sobretodo la de la primera canción, una suite de catorce minutos compuesta sobre un tipo de folk que me suena mucho pero no acabo de saber de donde viene.

El tono de las canciones es muy diferente en cada una y podemos encontrar distintos folklores y ciertos aires medievales. Destacaría el de la última canción, “Ad occhi alti”, una semibalada con un tono profundo e hipnotizante que no renuncia al ritmo y a los compases complejos difíciles pero interesanes de seguir.

Un diez para esta banda italiana que me ha sorprendido mucho por la efectividad de su sencillez.

The Gourishankar – “Close grip” (2008). Música de otras tierras (2ª parte).

2011-04-16T08:07:00.000+02:00

     Metal/rock/jazz progresivo del bueno, complejo y difícil de escuchar. Es de ese tipo de música que hasta que no has escuchado el disco varias veces no sabes muy bien qué cara poner, pero cuando lo empiezas a entender disfrutas de lo lindo.

     “Close grip” es una reedición del segundo trabajo de estos rusos publicado en 2003. Completan su discografía “Integral Symphony” (EP 2002) y “2nd hands” (2007).

     Los músicos son buenísimos, no puedo destacar a ninguno porque están todos al mismo nivel. Si se escucha cualquier parte del disco y nos fijamos en cualquiera de ellos nos damos cuenta de que ninguno se limita a acompañar. Una gozada. Cada uno merece una escucha atenta del disco entero por separado. La formación principal la componen Vlad MJ Whiner a la voz, Doran Usher a los teclados, Nomy Agranson a la guitarra y el bajo y Cat Heady a la batería...

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Avril Lavigne – “Goodbye Lullaby” (2011)

2011-04-11T19:28:00.000+02:00

La mocosa flacucha se ha tranquilizado bastante con su nuevo disco. Lo he escuchado bastantes veces pero no acaba de engancharme, no tiene ese punch de los anteriores. El ritmo es mucho más lento y el sonido más suave, pero eso no tiene por qué ser determinante. Al disco le falta algo, las melodías resultan demasiado familiares y previsibles, pero puede ser que ese algo sea que estoy juzgando su disco por primera vez desde un punto de vista estrictamente musical. El tiempo pasa y la pasión decrece.

Por el tono general del disco da la sensación de que la mocosa gritona se está haciendo adulta. “!Qué adulta soy!” –dirá ella-, “Es que soy superadulta oyes”. Pero la verdad es que sus canciones recuerdan demasiado al Disney Channel.

La música de la flacucha gritona apareció en mi vida en un momento clave, era justo lo que necesitaba, y mi cada vez más inexplicable pasión por ella alcanzó límites nunca vistos. Como ya dije una vez, su música traspasó las fronteras del conocimiento y me llegó directamente al corazón. Con el tiempo esa inercia se ha desvanecido, no diré por completo, pero casi; y para mantener mi atención ya no basta con cualquier cosa. Ahora lo que necesito no es pasión, al menos no de ese tipo, lo que necesito es música.

Motörhead – “The world is yours” (2010)

2011-04-03T17:57:00.000+02:00

Pocos grupos hay tan auténticos como los Motor. Año tras año siguen sacando discos a cual mejor. Se van actualizando en cuanto al sonido pero siguen conservando esa esencia rockanrollera sucia y desgarbada que tanto los caracteriza. Lemmy sigue cantanto como “los ángeles”, las canciones conservan las mismas estructuras carentes de estribillos marcados, el sonido sigue siendo duro y guarro pero muy claro, y lo más importante: marcha, los Motor tienen mucha, pero que mucha marcha, lo que hace que, a pesar de ser unos dinosaurios del rock su música siga sonando fresca y actual.

Es curioso, de jovenzuelo no me gustaban demasiado, y hoy en día cada vez me gustan más.

Este disco es uno más, pero no por ello pierde interés. El rock’n’roll está mucho más presente que en discos anteriores y el sonido es para enmarcarlo. Gracias a las tecnologías de hoy en día y a ciertas mentes clarividentes han conseguido un sonido cojonudo, bestial y perfecto.

Un diez para los Motörhead.

Marillion

2011-03-28T20:33:00.001+02:00

He escuchado toda la discografía de Marillion. Nunca imaginé que me gustarían tan poco. No tengo nada más que decir.

“Assault Attack”, aquella maravillosa obra de Michael Schenker y Graham Bonnet.

2011-03-08T21:20:00.003+01:00

Schenker

Que Michael Schenker sea uno de los mejores guitarristas de la historia del rock no quiere decir que sus discos en solitario también lo sean. En UFO, su conexión con Phil Mogg fue extraordinaria, consiguieron editar cinco magníficos discos, pero cuando se separaron ni uno ni otro alcanzaron ese nivel. Schenker se alió primero con Gary Barden y publicaron buenos trabajos, pero ninguna obra que haya hecho historia; y después con Robin McAuley se instaló en un AOR poco atractivo donde el protagonismo de su guitarra era cada vez menor.

Bonnet

Pero... hay una excepción. En 1982, entre medias de la etapa de Gary Barden, dejó de lado a éste y se unió con Graham Bonnet para crear “Assault Attack”, una obra increíble que extrae lo mejor de los dos.

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Rush

2011-03-01T20:44:00.002+01:00

En algunos círculos se conoce a Rush como una banda de hard rock progresivo, y en otros como un grupo de AOR o rock sinfónico. Esto es porque discografía de Rush tiene dos etapas muy bien diferenciadas, de las cuales me quedo con la primera sin pensármelo ni un momento. En sus principios se dedicaron a hacer rock progresivo, pero con el añadido de la potencia de su sonido, hacían una mezcla que reunía lo mejor de Yes y de Led Zeppelin. En aquellos años lanzaron al mercado verdaderas maravillas, de las que destaco dos, “2112” (1976) y “Hemispheres” (1978), dos verdaderas obras maestras, de una complejidad extrema en muchos momentos, con un sonido impecable y muy atractivo, diría que de los mejores de la época, con músicos de otra galaxia y composiciones técnicamente perfectas, como la memorable suite “2112”, todo un icono en la historia del rock, una de las mejores y más importantes canciones de todos los tiempos. El problema (a mi modo de ver) es que durante muchos años no hubo apenas cambios en su sonido ni en su forma de hacer música, así, en los ’80 se decidieron a evolucionar.

“Moving pictures” (1981) se podría considerar como un disco de transición. El disco está muy bien, es una mezcla entre hard rock progresivo y AOR, pero a partir de ahí cambiaron su sonido y su estilo a la tendencia del momento. Se ochentizaron por completo. He escuchado todos sus discos pero no he encontrado nada que me guste o que me convenza de alguna manera. Sé que habrá muchos fans de esta época de Rush, porque su música es agradable, incluso diría que fácil de escuchar, se puede encontrar algún toque progresivo pero nada que te complique la vida demasiado.

En estas dos últimas décadas han sacado algún disco más, con un sonido más noventero, más duro, hay cosas interesantes pero nada comparable a su primera etapa.

Si no conoces la música de Rush recomiendo encarecidamente escuchar estos tres discos:

-“2112” (1976)

-“Hemispheres” (1978)

-“Moving pictures” (1981)

Venom

2011-02-20T19:10:00.003+01:00

La aparición de Venom en el mundillo metalero supuso una verdadera revolución. Cuando la tendencia del momento era suavizar en extremo el sonido, aparecieron Venom para hacer justo lo contrario. No estoy diciendo que me guste, ni mucho menos, pero sí la importancia que tienen en el desarrollo y evolución del metal en los ’80. Pero en realidad la música que hicieron Venom en sus principios tiene muy poco que ver con la de los cientos de bandas a las que influenciaron pocos años después.

¿Metal? Creo que no... ¿Punk? No, tampoco. Los primeros discos de Venom son una música caótica de dudoso nivel musical, con un sonido sucio pero no excesivamente fuerte, de hecho la guitarra se oye muy poco, y el bajo tampoco es que se oiga mucho, y la voz no sobresale demasiado. Lo que más se oye es la batería, y no es que tenga un buen sonido, es un batiburrillo de golpes a toda leche, un caos total relleno de un murmullo grave y sucio que es la pura esencia del sonido de Venom en sus principios. Quizá era eso exactamente lo que necesitaba buena parte del público de entonces.

El “cantante” merece atención especial. Más que cantar ladra. A veces recuerda al mismísimo hombre lobo. Desafinado de forma expresa y totalmente a su aire, a veces se independiza de la música por completo, es amelódico por definición, y su interpretación está llena de gruñidos y sonidos guturales. Justo lo contrario de lo que se espera de un buen cantante, pero... precisamente eso es lo que deseaba escuchar esa buena parte del público de entonces, música que no tiene la más mínima intención de ser “bonita”, ni agradable, un ruido oscuro y endiabladamente rápido que evoca escenas lúgubres y sangrientas.

No siempre hicieron este tipo de música, después de varios discos y diferentes cambios de formación que se pueden consultar en la Wiki acabaron haciendo la misma música que las bandas a las que influenciaron y que evolucionaron con el tiempo hacia las diversas vertientes del metal extremo, y, ahora sí, con mucho más nivel musical pero menos incidencia en el mundillo metalero, al fin y al cabo era más de lo mismo pero con el nombre de Venom.

Venom no me gustan, eso lo tengo claro, pero escuchar todos sus discos ha sido toda una experiencia. Todo sea por la culturilla musical.

Gary Moore

2011-02-09T19:47:00.000+01:00

Sólo una cosa amigo, cuando veas a Dio salúdale de mi parte.

Perra vida.

Esta semanita...

2011-01-30T22:54:00.000+01:00

... no estaré, me voy de viaje, no os digo dónde para no dar envidia. Colgaré algunas fotos en el otro blog cuando pueda. Un saludo, colegas, os dejo con una de Dave Lee Roth.

Lo siento pero no puedo resistirlo: !!ME VOY A VENECIA!!!

¿Qué voy a decir de Dave Lee Roth que no haya dicho ya de Van Halen?

2011-01-30T22:49:00.001+01:00

Sugerente título, sobretodo para el que haya leído el artículo que escribí sobre Van Halen. Pues voy a decir unas cuantas cosas, y tienen muy poco que ver con lo que esperaba, Dave Lee Roth me ha sorprendido muchísimo. Después de escuchar la discografía de Van Halen y escribir el artículo acabé pelín saturado, pero dejarlo ahí obviando el camino en solitario que ha recorrido una de sus dos estrellas sería como un trabajo a medias. Así que después de sufrir los discos de Van Halen y tomarme un merecido descanso inicié mi andadura por la discografía de DLR en solitario.

Recuerdo el instante anterior a escuchar el primer disco. El lado oscuro de mi pluma digital se frotaba las manos con ansia y deseo. -¡Te voy a destrozar! ¡JA JA JA!!! –rezaba entre dientes con una maliciosa sonrisa. Y con razón. De DLR en solitario sólo había escuchado la del gigoló. El día que la escuché me encantó, es una magnífica versión, pero... ¿para esto dejó Van Halen? ¿Para hacer realidad su sueño de ser una estrella del Music Hall? Mi interés por DLR desapareció por completo.

Error amigo, error.

Siempre pensé que la facción pop de Van Halen era DLR. Sus pintas, sus poses, sus grititos y su estilo me habían llevado a estar convencido de ello, simplemente por deducción, sin consultarlo en ningún sitio. Error. Supongo qe llegué a esa conclusión simplista por mi simpatía por Eddie Van Halen. La decucción es bien sencilla:

Eddie me cae bien: hace rock seguro.

Dave me cae normalillo: hace pop seguro.

Hala. Fácil, ¿verdad? Demasiado. el margen de error es ridículamente grande.

La facción rockera de Van Halen es indudablemente Dave Lee Roth. Después de escuchar todos sus discos me he dado cuenta. Dave es un rockero de los pies a la cabeza, lo lleva en la sangre y lo demuestra en cada canción. Sus coqueteos con el music hall y el pop no son más que anecdóticos. Lo suyo es el heavy rock con algo de heavy metal; pero su gracia reside en combinar esos estilos potentes con aires más clásicos. El blues, el rock and roll, el soul y el rhythm and blues están presentes en todos sus discos.

Siempre se ha hecho acompañar por rutilantes estrellas, como por ejemplo Steve Vai, y sus discos son todos entretenidísimos de escuchar, con mucho brío y sobretodo mucho ritmo. Me han gustado todos. Todos. A pesar de que en los dos últimos tiene la voz ya un poco cascadilla a ninguno de ellos le falta nada. Destacaría “A lil’ ain’t enough” (1991), un disco (como todos los suyos pero quizás éste el que más) con música fresca y desenfadada, con buen rollo y marcha a raudales.

He redescubierto a un músico que “conocía” de toda la vida y me ha dejado pasmado. Es mejor pronto que tarde, pero también es verdad que es mejor tarde que nunca.

Manowar – “Battle hymns MMXI” (2011)

2011-01-19T21:31:00.003+01:00

Por gentileza de mi colega de Katarsia supe que Manowar iban a regrabar su primer disco “Battle hymns”. Gracias Falc. Ya lo he escuchado un par de veces y he sacado conclusiones. Dos veces son muy pocas para poder opinar sobre un disco que nunca has escuchado, pero como calculo que habré escuchado el original cientos de veces, por no decir miles, las conclusiones que se pueden sacar de escuchar el nuevo se extraen de la inevitable comparación entre uno y otro.

La verdad es que me ha dejado pelín frío. Hay que tener en cuenta que no es una remasterización, sino una regrabación, y como tal, ni la parte técnica ni la humana son las mismas.

Lo primero que hay que decir es que el sonido es infinitamente mejor. Considero “Battle hymns” como uno de los mejores discos de heavy metal de todos los tiempos, a pesar de que su sonido era terriblemente malo. Para mí, el sonido de un disco tiene dos aspectos fundamentales, el estético y el técnico. El estético sería la idea, y el técnico el resultado final al plasmar esa idea en una grabación (no sé expresarlo mejor, pero creo que se entiende). En el original el aspecto estético es estupendo, es el técnico el que falla, eso en el nuevo se ha superado con creces.

Las canciones son las mismas, no son versiones, se han grabado intentado ser fieles al original, pero se pueden encontrar pequeñas diferencias en toques de batería, de voz o de bajo, que acostumbrado a escucharlo siempre igual descolocan un poco. Sería como escuchar un disco en directo, donde las canciones no están interpretadas de la misma manera, y cuando las vas siguiendo lo primero que piensas es que se ha equivocado el disco, pero a base de escucharlas te acabas acostumbrando. Se pueden encontrar pequeñas diferencias, pero también grandes, el texto narrado en “Dark Avenger” es muy distinto, “Battle hymns” tiene un añadido al final un poco largo que resulta aburridillo, por mí se lo podrían haber ahorrado, y sobretodo los solos de guitarra, que son totalmente distintos. Con los solos sí que tienes la sensación momentánea de estar escuchando otro disco.

Los instrumentistas están todos al más alto nivel, pero me gustaría destacar a Eric Adams, lo suyo no tiene nombre. El original se grabó hace muchísimos años, tantos como 29, y el amigo sigue teniendo la misma potencia y el mismo espectro de notas que entonces. Siempre diré que Adams es un portento.

Estas serían las diferencias, digamos físicas. Pero la música tiene más aspectos, entre ellos el expresivo. Lo técnico es posible versionarlo, lo expresivo no. La diferencia fundamental entre un disco y otro es que uno lo grabaron unos chavalotes rebosantes de ilusión y de calidad musical que escogieron sus mejores canciones y mientras las iban grabando se daban cuenta de que estaban haciendo historia... y se dejaron el alma en ellas; y el otro lo han grabado unos hombretones ya consagrados y totalmente reconocidos en el mundo del metal como una de las mejores, originales e influyentes bandas de todos los tiempos, queriendo ofrecer un homenaje a aquella gran obra que les hizo dar el salto a la fama. No puede ser lo mismo de ninguna manera. Alguien con 20 años ni piensa, ni siente, ni actúa, ni nada como alguien de 50, no es mejor ni peor, sencillamente es diferente, y esa diferencia es la que hace que la atmósfera del disco sea tan distinta. Es algo difícil de definir, pero que de alguna manera queda plasmado en la grabación. Así, canciones como “Fast taker” o “Manowar” no tienen la misma frescura juvenil, y “Dark avenger” o “Battle hymns” no han conseguido el mismo ambiente épico que nos dejó alucinados en los ’80. También han puesto un par de bonus en directo con un sonido tan malo que será mejor que no diga nada.

El disco es estupendo, de eso no hay ninguna duda, si no existiese el original me habría dejado estupefacto y serían grandes candidatos a la mayoría de categorías de los Premios Gómez de 2011. Reconozco el esfuerzo de Manowar en esta grabación y me encanta el hecho de querer honrar aquella gran obra de esta manera, pero para mí “Battle hymns” es una pequeña parte de mi vida, y con sus deficiencias y sus carencias siempre será uno de mis discos favoritos. Por tanto, cuando quiera volver a escucharlo seguramente pondré el original. Mi “Battle hymns” sigue siendo el de 1982.

Una última cosa. Señores Manowar, si os estuvieseis planteando reeditar “Into glory ride”, mi favorito, os pediría desde mi humilde blog que fuese remasterizado en vez de regrabado. De cualquier manera, muchas gracias, hagáis lo que hagáis seguiréis siendo Manowar, mis Manowar.

Un saludo Falc.

Billy Idol, pasado y presente.

2011-01-16T18:31:00.001+01:00

No sé si Billy Idol fue un producto de laboratorio discográfico de síntesis de artistas o qué, porque la verdad es que su música, al menos en sus inicios, poco tiene que ver con su imagen.

Una imagen muy sofisticada medio punk, medio rocker y medio new wave que había que encajar en algún estilo de música. Punk no podía ser, un producto discográfico con pretensiones no podía ser ruidoso, sucio, reivindicativo, borracho y drogado como el punk auténtico. Rocker tampoco, porque el rockabilly puro ya estaba pelín desfasado. Ni new wave, porque se suponía que su imagen connotaba algo que se salía de la tendencia del momento y creaba una nueva, pero techno tampoco, porque la música electrónica no tenía todavía los seguidores suficientes, y lo realmente importante del techno era la base musical, no la voz, y Billy Idol era cantante. Pero música disco tampoco, porque la apariencia es de tipo duro capaz de desgarrarse la garganta a voces, y no de moñón aflequillado con hombreras tarareando pegadizas y ñoñas melodías...

... leer más en Generación.net.

Alice cooper

2011-01-11T20:23:00.001+01:00

Después de escuchar una buena parte de los discos de estudio de Alice Cooper he sacado curiosas conclusiones. Lo que más me ha sorprendido es que el tipo de música que siempre creí que hacía no lo ha hecho hasta hace bien poco. Yo había escuchado alguna canción suelta, pero nunca había tenido un disco suyo en mis manos, así, deduciendo por su imagen, creía que su música era siniestra, dura, algo sucia, potente... pero escuchando disco tras disco he visto que de eso hay muy poco. Sí que es verdad que a veces recuerda a la banda sonora de una película de Tim Burton, pero también he encontrado música en plan cabaret o music hall; o ideal para una banda sonora de cine negro o de un capítulo de Starsky y Hutch. A veces rock progresivo, a veces psicodélico, lo mismo recuerda a The Doors, que a The Mama’s and The Papa’s, o a la musiquilla de Vacaciones en el Mar. Tampoco imaginé nunca que utilizase tan a menudo los metales.

Otra cuestión curiosa es que esa voz carajillera la pone cuando quiere, porque cuando canta sin forzar tiene una voz muy agradable.

Lo que no me ha sorprendido tanto es que los discos que más me gustan son los últimos, “Dirty diamonds” (2005) y “Along came a spider” (2008), aunque situaría a estos dos detrás de “Killer” (1971), un disco que aparte de su primera canción que es un rock and roll con mucha marcha, es rock progresivo puro, un disco estupendo. Nunca imaginé que en algún momento de su carrera Alice Cooper se dedicase al rock progresivo.

Alice Cooper nunca ha estado entre los músicos de más éxito pero ha sido pionero en casi todo lo que ha hecho. Fue el primero que presentó el rock con una puesta en escena teatral, el primero que usó un maquillaje agresivo... muchísimas bandas se han inspirado en él a lo largo de cuatro décadas.

Alice Cooper no es uno de los grandes grandes, pero sí uno de los imprescindibles.

Premios Gómez 2010 6ª edición. Lista definitiva.

2010-12-21T22:03:00.009+01:00

¿Qué son los Premios Gómez?

Bases.

Descripción de los premios.

Historia.

Otro estupendo año musical con los uzbekos Fromuz como grandes protagonistas. En este año, aparte de descubrir nueva música, me he dedicado a recuperar o redescubrir música de siempre, repasando las discografías de muchos músicos o bandas como David Bowie, The Cult, Scorpions, UFO, Hawkwind o Motörhead, con la intención de enriquecer mi cultura musical.

También han pasado cosas interesantes, como mi colaboración con la revista generalista Generación.net como articulista musical, donde me han dado libertad y confianza total para publicar lo que quiera; el descubrimiento de una bloggosfera muy interesante y el contacto muy cercano con algunos de los bloggeros, en especial tres, los autores de Katarsia, Rockfloyd y Vuelo de la Esfinge; y la división de mi blog en dos, dejando en éste todo lo relacionado con la música y en el otro todo lo demás. La verdad es que justo después de esa división las estadísticas de este humilde blog han subido como la espuma. Gracias majos.

Mucho rock progresivo y mucho metal, algo de gótico y rock espacial, y trazas de indy, pop, cyberpunk, blues y jazz. Mucha y muy buena música, aunque pocos conciertos (dos), uno de ellos de los que hacen historia (Transatlantic).

Ahí va la lista de los mejores de 2010. En las entradas inferiores a ésta he puesto las listas de años anteriores y un enlace a un comentario adjunto, para poder ver de una ojeada lo mejor que ha pasado por mis oídos en los últimos años.

Artista: Fromuz

Disco: Fromuz

Canción: UnSun

Voz ellas: UnSun

Voz ellos: Stereophonics

Tecla: Fromuz

Cuerda melódica: Joe Satriani ( y mejor instrumentista)

Cuerda rítmica: Kaipa

Viento: Unitopia

Percusión: The (Int.) Noise Conspiracy

Aspecto expresivo: Fromuz

Aspecto técnico: Fromuz

Aspecto musical: Motherjane

Sonido: Cycle

Concierto: Transatlantic

Grupo español: L’Herba d’Hamelí

ARTISTA

Fromuz

Motherjane

Scorpions

Joe Satriani

Transatlantic

Comentario.

DISCO

Fromuz, con “Seventh story” (2010)

Motherjane, con “Maktub” (2008)

Scorpions, con “Sting in the tail” (2010)

Joe Satriani, con “Black swans and wormhole wizards”(2010)

Stereophonics, con “Keep calm and carry on” (2009)

Tom Petty and The Heartbreakers, con “Mojo” (2010)

UnSun, con “The end of life” (2008)

Comentario.

CANCIÓN

UnSun, con “Face the truth”

Fromuz, con “Desert circle”

Motherjane, con “Karmic sterps”

Joe Satriani, con “Dream song”

Hawkwind, con “Green machine”

Cycle, con “Beat me, bust me”

Kaipa, con “In the wake of evolution”

Tom Petty and The H., con “Running man’s bible”

Unitopia, con “Tesla”

Skunk Anansie, con “It doesn’t matter”

Comentario.

VOZ ELLAS

UnSun, con Anna Stefanowicz

The Birthday Massacre, con Chibi

Skunk Anansie, con Skin

Interpose+, con Sayuri Aruga

Comentario.

VOZ ELLOS

Stereophonics, con Kelly Jones

Scorpions, con Klaus Meine

Transatlantic, con Neal Morse

Mitch Laddie

Comentario.

MEJOR TECLA

Fromuz, con Igor Elizov, piano y teclados

Transatlantic, con Neal Morse

Interpose+, con Watanabe Nobuo

Kinetic Element, con Mike Visaggio

Comentario.

MEJOR CUERDA MELÓDICA

Joe Satriani

Fromuz, con Vitaly Popeloff

Mitch Laddie

Kaipa, con Per Nilsson

Comentario.

MEJOR CUERDA RÍTMICA

Kaipa, con Jonas Reingold

Fromuz, con Sur’at Kasimov

L’Herba d’Hamelí, con Dani Fabré

The (Int.) Noise Conspiracy, Inge Johansson

Comentario.

MEJOR VIENTO

Unitopia, con Peter Raidel, saxo

Kaipa, con Fredrik Lindqvist, flauta

Mediabanda, con su sección de metales

Comentario.

MEJOR PERCUSIÓN

The (Int.) Noise Conspiracy, con Ludwig Dahlberg

L’Herba d’Hamelí, con Guillem Roma

Kaipa, con Morgan Ǻgren

Fromuz, con Ali Izmailov

Comentario.

ASPECTO EXPRESIVO

Fromuz, por la intensidad y profundidad de su música

Motherjane, por la elegancia de su música

Scorpions, por su combinación de sensibilidad y potencia

Danko Jones, por su marcha

Comentario.

ASPECTO TÉCNICO

Fromuz, por su ambiente y elaboración

Hawkwind, por su ambiente

Hidria Spacefolk, por su ambiente

Transatlantic, por saber hacer un disco de una sola canción sin perder el hilo ni aburrir

Comentario.

ASPECTO MUSICAL

Motherjane, por su composición y ritmo

Fromuz, por su composición, ejecución y coordinación

Kaipa, por su composición y ejecución, y por lo desenvuelto de su música pese a su complejidad

Interpose+, por su composición

Comentario.

SONIDO

Cycle

Joe Satriani

Scorpions

Fromuz

Comentario.

CONCIERTO

Transatlantic

Barcelona Bluegrass Band

Comentario.

GRUPO ESPAÑOL

L’Herba d’Hamelí

Cycle

Barcelona Bluegrass Band

Comentario.

Premios Gómez edición especial. Lo mejor de 2005 a 2009.

2010-12-21T22:01:00.000+01:00

Artista: Avril Lavigne

Disco: Karmakanic

Canción: Apocalyptica

Voz ellas: Laleh

Voz ellos: Infadels

Tecla: Hiromi Uehara

Cuerda melódica: Joe Satriani

Cuerda rítmica: Karmakanic

Viento: Eric Darius

Percusión: Michel Camilo

Aspecto expresivo: Laleh

Aspecto técnico: Karmakanic

Sonido: Indukti

Concierto: Infadels

Grupo español: El Columpio Asesino

ARTISTA

Avril Lavigne

Karmakanic

Infadels

Porcupine Tree

Laleh

Joe Satriani

Spyro Gyra

DISCO

Karmakanic, por “Who’s the boss in the factory” (2008)

Porcupine Tree, con “Deadwing” (2005)

Laleh, con “Prinsessor” (2006)

Indukti, con “SUSAR” (2005)

Fromuz, con “Overlook” (2008)

The Hedrons, con “One more won’t kill us” (2007)

Spyro Gyra, con “Good to go go” (2008)

CANCIÓN

Apocalyptica, con “Helden”

Porcupine Tree, con “Arriving somewhere but not here”

Karmakanic con “Send a message from the heart”

Dream Theater, con “In the presence of enemies Part 2”

Indukti, con “Freder”

Silje Nergaard, con “When Judy falls”

Fefe Dobson, con “8 x 10”

Cooper Temple Clause, con “Homo sapiens”

Saybia, con “Guardian angel just”

Avril Lavigne, con “Get over it”

Muse, con “Knights of Cydonia”

Manic Street Preachers y Nina Persson (The Cardigans) con “Your love alone is not enough”

Morcheeba, con “Living hell”

Ladytron, con “Destroy everything you touch”

VOZ ELLAS

Laleh

Avril Lavigne

Silje Nergaard

Magenta, con Christina Booth

VOZ ELLOS

Infadels, con Bnann Watts

Empty Tremor, con Oliver Hartmann

Nickelback, con Chad Kroeger

Wolfmother, con Andrew Stockdale

TECLA

Hiromi Uehara, piano y teclados

Michel Camilo, piano

Metro, con Mitchel Forman, teclados

The Crimson Jazz Trio, con Jody Nardone, piano

CUERDA MELÓDICA

Joe Satriani, guitarra (y mejor instrumentista)

Metro, con Chuck Loeb, guitarra

Roine Stolt, guitarra

Kaipa, con Per Nilsson, guitarra

CUERDA RÍTMICA

Karmakanic, con Jonas Reingold, bajo

Kirwan Brown, bajo

Marcus Miller, bajo

Spyro Gyra, con Scott Ambush, bajo

VIENTO

Eric Darius, saxo

Spyro Gyra, con Jay Beckenstein, saxo

Bill Evans, saxo

Boney James, saxo

PERCUSIÓN

Michel Camilo, con Dafnis Prieto

Spyro Gyra, con Bonney Bonaparte

Indukti, con Wawrzyniec Dramowicz

Karmakanic, con Zoltan Csörsz

ASPECTO EXPRESIVO

Laleh, por ser tan original y tan increíblemente pasional.

Apocalyptica, por lo profundo e intenso de su música.

The Hedrons, por su marcha y su dulce dureza.

Karmakanic, por saber expresar con gran perfección los sentimientos de la más diversa índole.

ASPECTO TÉCNICO

Karmakanic, por su composición y ejecución.

Porcupine Tree, por su ambiente y elaboración.

Spyro Gyra, por su ritmo.

Indukti, por su coordinación y composición.

SONIDO

Indukti

Porcupine Tree

Goldfrapp

Apocalyptica

CONCIERTO

Infadels

Joe Satriani

Michel Camilo

Avril Lavigne

Cansei de Ser Sexy

Spyro Gyra

GRUPO ESPAÑOL

El Columpio Asesino

Triángulo de Amor Bizarro

Pastora

Cycle

Comentario.

Premios Gómez 2009.

2010-12-21T21:52:00.000+01:00

Artista: Karmakanic

Disco: Karmakanic

Canción: Karmakanic

Voz ellas: Magenta

Voz ellos: Empty Tremor

Tecla: Hiromi Uehara

Cuerda melódica: Karmakanic

Cuerda rítmica Karmakanic

Viento: Spyro Gyra

Percusión: Indukti

Aspecto expresivo: Karmakanic

Aspecto técnico: Karmakanic

Sonido: Indukti

Concierto: Spyro Gyra

Grupo español: Alcohol Jazz

ARTISTA

Karmakanic

Indukti

Fromuz

Spyro Gyra

Magenta

DISCO

Karmakanic, con “Who’s the boss in the factory” (2008)

Fromuz, con “Overlook” (2008)

Indukti, con “SUSAR” (2005)

Magenta, con “Metamorphosis” (2008)

Myrath, con “Hope” (2008)

Unitopia, con “The Garden” (2008)

Spyro Gyra, con “Down the wire” (2009)

CANCIÓN

Karmakanic, con “Send a message from the heart”

Indukti, con “Freder”

Unitopia, con “Inside the power”

Saybia, con “Guardian angel just”

Magenta, con “Envy”

Interpose +, con “Dayflower”

RPWL, con “Where can i go“

Spyro Gyra, con “Down the wire”

Emiliana Torrini, con “Me and Armini”

Pagan’s Mind, con “Hallo Spaceboy”

VOZ ELLAS

Magenta, con Christina Booth

Animal Alpha, con Agnete Maria Kjolsrud

Interpose+, con Sayuri Aruga

A Camp, con Nina Persson

VOZ ELLOS

Empty Tremor, con Oliver Hartmann

Karmakanic, con Goran Edman

Nickelback, con Chad Kroeger

Saybia, con Soren Huss

TECLA

Hiromi Uehara, piano y teclados

The Crimson Jazz Trio, con Jody Nardone, piano

Karmakanic, con Lalle Larsson, teclados

The Tangent, con Andy Tillison y Sam Baine, teclados

CUERDA MELÓDICA

Karmakanic, con Krister Jonsson

Chickenfoot, con Joe Satriani

Siddharta, con Ozgur Kurcan

Blake Aaron

CUERDA RÍTMICA

Karmakanic, con Jonas Reingold (y mejor instrumentista)

Spyro Gyra, con Scott Ambush

Indukti, con Maciej Jaskiewincz

The Crimson Jazz Trio, con Tim Landers

VIENTO

Spyro Gyra, con Jay Beckenstein, saxo

Hiromi Uehara, con Jim Ogden, saxo

Bill Evans, saxo

PERCUSIÓN

Indukti, con Wawrzyniec Dramowicz

The Crimson Jazz Trio, con Ian Wallace

Karmakanic, con Zoltan Csörsz

Hiromi Uehara, con Martin Valihora

ASPECTO EXPRESIVO

Karmakanic, por saber expresar con gran perfección los sentimientos de la más diversa índole.

Indukti, por la intensidad de su música.

Spyro Gyra, por la elegancia de su música.

Animal Alpha, por su expresionismo.

ASPECTO TÉCNICO

Karmakanic, por la composición, la ejecución, la perfección de los enlaces y por saber hacer que un compás de 7 tiempos sea fácil de seguir en “Who’s the boss in the factory”.

Fromuz, por la composición de “Overlook”.

Indukti, por la coordinación y la composición de “SUSAR”.

Spyro Gyra, por el ritmo de “Down the wire”.

SONIDO

Indukti, con “SUSAR”

Karmakanic, con “Who’s the boss in the factory”

Myrath, con “Hope”

Animal Alpha, con “You pay for the whole seat...”

CONCIERTO

Spyro Gyra

Porcupine Tree

Saxon

GRUPO ESPAÑOL

Alcohol Jazz

The Cherry Boppers

Eskorzo

Comentario.

Premios Gómez 2008.

2010-12-21T21:45:00.002+01:00

Artista: Laleh

Disco: Laleh

Canción: Apocalyptica

Voz ellas: Laleh

Voz ellos: Kent

Tecla: Metro

Cuerda melódica: Joe Satriani

Cuerda rítmica: Spyro Gyra

Viento: Eric Darius

Percusión: Spyro Gyra

Aspecto expresivo: Laleh

Aspecto técnico: Joe Satriani

Concierto: Infadels

Grupo español: Pastora

ARTISTA

Laleh

Joe Satriani

Infadels

Spyro Gyra

Apocalyptica

DISCO

Laleh, por “Prinsessor”

Joe Satriani, por “Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock"
Spyro Gyra, por “Good to go go”

Infadels, por “Universe in reverse”

Apocalyptica, por “Worlds collide”

Uriah Heep, por “Wake the sleeper”

Pastora, por “Circuitos de lujo”

CANCIÓN

Apocalyptica, por “Helden”

Spyro Gyra, por “Newroses”

Duffy, por “Sleeping Stone”

Tokyo Hotel, por “Monsoon”

Laleh, por “Prinsessor”

Opeth, por “Coil”

Joe Satriani, por “Overdriver”

Uriah Heep, por “Overload”

Ladytron, por “I’m not scared”

Metro, por “The red fish”

Def Leppard, por “C’mon c’mon”

Vetusta Morla, por “Sálvese quien pueda”

Backdraft, por “Cannonball”

El Columpio Asesino, por “La marca en nuestra frente es la de Caín”

VOZ ELLAS

Laleh

Duffy

Pastora, con Dolo Beltrán

Rigmor Gustafsson

VOZ ELLOS

Kent, con Joakim Berg

The Raconteurs, con Jack White

Infadels, con Bnann Watts

TECLA

Metro, con Mitchell Forman, teclados

Yaron Herman, piano

Igor Butman, con Anton Baronin, piano

School of the Arts, con T-Lavitz, piano y teclados

CUERDA MELÓDICA

Joe Satriani, guitarra (y mejor instrumentista)

Metro, con Chuck Loeb, guitarra

Michael Schenker, guitarra

Chicuelo, guitarra española

CUERDA RÍTMICA

Spyro Gyra, con Scott Ambush, bajo

Eric Darius, con Alex Al, bajo

Charlie Moreno, bajo

Ximo Tebar, con Anthony Jackson, bajo

VIENTO

Eric Darius, saxo

Spyro Gyra, con Jay Beckenstein, saxo

Igor Butman, saxo

PERCUSIÓN

Spyro Gyra, con Bonney Bonaparte, batería

Apocalyptica, con Miko Sirén, batería

Ximo Tebar, con Dave Samuels, xilófono

Ximo Tebar, con Donand Edwards, batería

ASPECTO EXPRESIVO

Laleh, por ser tan original y tan increíblemente pasional.

Joe Satriani, por ser capaz con “Professor…” de hacerme sentir algo diferente con cada canción, y además, por ser tan bueno y no tener necesidad de demostrarlo a cada instante.

Apocalyptica, por lo profundo e intenso de su música.

Peter, Bjorn and John, por tener la curiosa cualidad con su disco “Falling out” de abstraerme completa e

inconscientemente en mis cabilaciones, sin darme cuenta de que está sonando, muy terapéutico.

ASPECTO TÉCNICO

Joe Satriani, por la sencillez tan efectiva de “Professor…”

Nightwish, por la mezcla de estilos, la potencia del sonido y los coros de “Dark passion play”.

Spyro Gyra, por su ritmo.

Apocalyptica, por su sonido.

CONCIERTO

Infadels

Joe Satriani

GRUPO ESPAÑOL

Pastora

El Columpio Asesino

Vetusta Morla

Charlie Moreno

Comentario.

Premios Gómez 2007.

2010-12-21T21:38:00.000+01:00

Artista: Avril Lavigne

Disco: Avril Lavigne

Canción: Silje Nergaard

Voz ellas: Avril Lavigne y Silje Nergaard

Voz ellos: Sondre Lerche

Tecla: Michel Camilo

Cuerda melódica: Roine Stolt

Cuerda rítmica: Marcus Miller

Viento: Nils Landgren

Percusión: Michel Camilo

Aspecto expresivo: Silje Nergaard

Aspecto técnico: Avril Lavigne

Concierto: Michel Camilo

Grupo español: Triángulo de Amor Bizarro

ARTISTA

Avril Lavigne

Silje Nergaard

Michel Camilo

Sondre Lerche

The Hedrons

DISCO

Avril Lavigne, con “The best damn thing”

Michel Camilo, con “Spirit of the moment”

Silje Nergaard, con “At first light”

The Hedrons, con “One more won’t kill us”

Sondre Lerche, con “Phantom Punch”

Porcupine Tree, con “Deadwing”

Dream Theater, con “Systematic Chaos”

CANCIÓN

Silje Nergaard, con “When Judy falls”

Silje Nergaard, con “Be still my heart”

Avril Lavigne, con “Hot”

Avril Lavigne, con “Innocence”

Michel Camilo, con “Repercussions”

Noisettes, con “Don’t give up”

Cooper Temple Clause, con “Homo sapiens”

The Hedrons,con “Falling star”

Hafdis Huld, con “Tomoko”

Sondre Lerche, con “Tragic mirror”

Hidrogenese, con “Disfraz de tigre”

Boney James, con “Dedication”

Dream Theater, con “The ministry of lost souls”

Manic Street Preachers y Nina Persson de The Cardigans, con “Your love alone is not enough”

VOZ ELLAS

Avril Lavigne

Silje Nergaard

The Hedrons, con Tippi

Noisettes, con Shingai Shoniwa

VOZ ELLOS

Sondre Lerche

Michael Bublé

Scorpions, con Klaus Meine

TECLA

Michel Camilo, piano (y mejor instrumentista)

Jesús Santandreu, con Abe Rábade, piano

Dream Theater, con Jordan Rudess, teclados

CUERDA MELÓDICA

Roine Stolt, guitarra

Dream Theater, con John Petrucci, guitarra

Kaipa, con Per Nilsson, guitarra

Bill Evans (saxo), con Béla Fleck, banjo

CUERDA RÍTMICA

Marcus Miller

Nils Landgren, con Lars DK Danielsson

Dream Theater, con John Myung

Dave Weckl Band, con Tom Kennedy

VIENTO

Nils Landgren, trombón

Boney James, saxo

Michel Camilo, por la sección de metales en “One more once”

Bill Evans, saxo

PERCUSIÓN

Michel Camilo, con Dafnis Prieto

Dream Theater, con Mike Portnoy

Stanton Moore

Jesús Santandreu, con Vicente Espí

ASPECTO EXPRESIVO

Silje Nergaard, por su clase y finura en todos sus discos

Avril Lavigne, por el tono divertido, dulce, pasional, positivo y un poquito agresivo de “The best damn thing”

Sondre Lerche, por el positivismo de “Phantom punch”

The Hedrons, por la marcha y la mezcla de dulzura y agresividad de “One more won’t kill us”

ASPECTO TÉCNICO

Avril Lavigne, por la elaboración y los coros de “The best damn thing”

Cooper Temple Clause, por los coros de “Make this your own”

Dream Theater, por la composición, la ejecución y el sonido de conjunto de “Systematic Chaos”

Porcupine Tree, por el ambiente y la elaboración de “Deadwing”

CONCIERTO

Michel Camilo

Cansei de Ser Sexy

Triángulo de Amor Bizarro

Serrat y Sabina

Dream Theater

GRUPO ESPAÑOL

Triángulo de Amor Bizarro

Comentario.

Premios Gómez 2006.

2010-12-21T21:30:00.000+01:00

Artista: Infadels

Disco: Infadels

Canción: The Chalets y Spam

Voz ellas: The Sounds

Voz ellos: Infadels

Concierto: Joe Satriani

Sonido: Joe Satriani

Grupo español: El Columpio Asesino

ARTISTA

Infadels

The Sounds

Wolfmother

Joe Satriani

Muse

DISCO

Infadels, con “We are not the Infadels”

Wolfmother, con “Wolfmother”

120 Days, con “120 Days”

Carpark North, con “All things to all people”

Muse, con “Black holes and revelations”

Joe Satriani, con “Super Colossal”

CANCIÓN

The Chalets, con “Theme from Chalets”

Spam, con “Da igual”

Muse, con “Starlight”

Muse, con “Knights of Cydonia”

The Sounds, con “Painted by numbers”

The Cardigans, con “Godspell”

Joe Satriani, con “Ten words”

Ladytron, con “Destroy everything you touch”

El Cuarteto de Nos, con “Yendo a la casa de Damián”

Infadels, con “Reality TV”

Skye Edwards, con “Love show”

VOZ ELLAS

The Sounds, con Maja Ivarsson

The Cardigans, con Nina Persson

VOZ ELLOS

Infadels, con Bnann Watts

Wolfmother, con Andrew Stockdale

SONIDO

Joe Satriani, por su guitarra

Muse, por la elaboración de “Black Holes and Revelations”

Wolfmother, por su sonido en “Wolfmother”

120 Days, por su ambiente en “120 Days”

CONCIERTO

Joe Satriani

El Canto del Loco

GRUPO ESPAÑOL

El Columpio Asesino

Sterlin

Mendetz

Comentario.

Premios Gómez 2005.

2010-12-21T21:23:00.002+01:00

Artista: Franz Ferdinand
Disco: Franz Ferdinand
Canción: Goldfrapp
Voz ellas: Juliette Lewis
Voz ellos: Franz Ferdinand
Sonido: Goldfrapp
Concierto: Avril Lavigne
Grupo español: Cycle

ARTISTA

Franz Ferdinand

Goldfrapp

DISCO

Franz Ferdinand, con “You could have it so much better”

Goldfrapp, con “Supernature”

CANCIÓN

Goldfrapp, con “Fly me away”

Juliette and the Licks, con “Shelter you needs”

Franz Ferdinand, con “You could have it so much better”

Ladytron, con “Playgirl”

Franz Ferdinand, con “Do you want to”

Nickelback, con “Should’ve listened”

VOZ ELLAS

Juliette and the Licks, con Juliette Lewis

VOZ ELLOS

Franz Ferdinand, con Alex Capranos

SONIDO

Goldfrapp, por su electrónica

Queens of the Stone Age, por su sonido

CONCIERTO

Avril Lavigne

Goldfrapp

GRUPO ESPAÑOL

Cycle

Comentario.

Más fotos de mis musas

2010-12-15T21:49:00.001+01:00

He añadido tres foticos a la entrada de Mis Musas.

Una de Skin, el vozarrón de Skunk Anansie.

Otra de Sayuri Aruga, voz del grupo japonés de rock/jazz progresivo casi desconocido Interpose+, que tiene la particularidad de cantar en japonés.

Y otra de Chibi, la encantadora cantante de The Birthday Massacre.

Goldfrapp – “Head First” (2010)

2010-12-14T19:38:00.000+01:00

Alison Goldfrapp vuelve a sorprender con su nuevo trabajo, se ha metido en la máquina del tiempo y ha retrocedido hasta los ’80 para crear un álbum de música disco. Cojonudo.

¿Que si me gusta la música disco? Pues... diría que no, a estas alturas me permito dudarlo, pero en su día hubiese sido todo un sacrilegio decir que sí.

El caso es que el disco está muy bien. Después del tranquilito “Seventh tree” (2007), Goldfrapp vuelve con aires “renovados” y mucho más ritmo. El mismo sonido que la música disco de los ’80, los mismos patrones rítmicos, melodías muy semejantes a las que triunfaron en las discotecas. Alison tiene 44 años, por tanto vivió esa época y seguro que se pegó miles de horas en la pista de baile. Supongo que ha hecho este disco como homenaje a aquellos años que ahora parecen tan lejanos, o simplemente porque le ha apetecido.

Buen disco de Goldfrapp, muy entretenido y bailongo.

The International Noise Conspiracy – “The Cross of my Calling” (2008)

2010-12-12T19:04:00.000+01:00

Curiosísima banda sueca, me encanta. Eso que llaman indy no es un estilo en el que se luzcan mucho los instrumentistas, se le da más importancia a otras cosas, pero esta banda sí le da, y mucha, por eso no sé si es todo correcto etiquetarlos como indy, pero eso en realidad da igual.

Su estilo es del rollo del indy británico de esta década, cercano a Franz Ferdinand, pero con una actitud más punk, tirando a The Clash, y con las melodías inocentonas del pop/rock sueco, y con toques del soul y el rock de los ’70. Sí, un auténtico lío que si no se hace bien puede resultar un desastre. Pero estos tipos se lo montan muy bien. Pero que muy bien. El disco es muy divertido y entretenido de escuchar, y más teniendo en cuenta, para los que nos gusta, que de vez en cuando hay algún solo de guitarra, aunque no sean demasiado espectaculares, que la presencia del Hammond le da un aire muy auténtico, y que el batería, amigos, el batería es un figura, un crack. Si escucháis este disco tened en cuenta sobretodo al batería. Ya les gustaría a muchas bandas punteras de estilos más técnicos tener a un batería así en sus filas. Se llama Ludwing Dahlberg, y es uno de esos músicos que desde su asiento en el fondo del escenario, son capaces de protagonizar por completo cada una de las canciones, canciones que para nada serían lo mismo si las tocase otro, o mejor dicho, si las hubiese compuesto otro. La batería no es la guinda del grupo, es la parte sustancial, y no sólo del ritmo, que tienen mucho, si no de la compositiva. Después de escuchar el disco un montón de veces da la sensación de que las canciones se hayan compuesto a raíz del ritmo de percusión y a partir de ahí se hayan ido añadiendo los demás instrumentos. De verdad colegas de la bloggosfera, este tío es un fenómeno.

Éste es el tipo de batería que me gusta, el que no necesita virtuosismos de ningún tipo, ni redobles espectaculares o interminables, ni baterías que no caben en un camión de 18 ruedas, ni velocidades endiabladas, ni siquiera dosis brutales de potencia. El tipo de batería que me gusta es músico, no atleta, y es capaz de aportar a la música no sólo ritmo, si no simplemente música, y esta banda humilde pero muy interesante tiene en sus filas a ese tipo de batería. Apuntad este nombre, Ludwing Dahlberg.

The Birthday Massacre – “Pins and needles” (2010)

2010-12-09T21:52:00.000+01:00

Así da gusto seguir la trayectoria de un grupo. The Birthday Massacre han editado tres discos, y de uno a otro hay una evolución abismal. Pasa a paso han logrado pulir defectos y mejorar virtudes en todos los aspectos, y el resultado es este magnífico disco de neogótico, con potentes guitarras (cuando toca), sonidos electrónicos que decoran y crean buenos ambientes, marcha y mucho ritmo, excelentes melodías, muchas de ellas con mucho gancho, y canciones de 3 ó 4 minutos que van entre el heavy metal y los ritmos bailables.

La música de The Birthday Massacre, diría yo, está enfocada a un público joven, o gente que no se quiera complicar la vida escuchando música. Últimamente me estoy dedicando a estilos más complejos, pero no le hago ascos a bandas como bandas UnSun, Kaiser Chiefs, Manic Street Preachers, Kill Hannah o los mismos Birthday.

Un párrafo aparte merece Chibi, la linda voz del grupo, delicada y con un bonito timbre, al estilo de Anna Stefanowicz, que contrasta con el potente sonido instrumental dando un resultado muy bueno. En algún momento le detecto cierto aire a Madonna, no sé, a lo mejor son imaginaciones mías, pero se me viene inmediatamente a la cabeza cuando escucho “Pins and needles”, el tema que da título al álbum y uno de los mejores del disco.

Tom Petty and The Heartbreakers – “Mojo” (2010) y otras cosas.

2010-12-06T18:40:00.004+01:00

Entré en la tienda y eché un vistazo a las revistas. Vi una portada con un melenudo y pensé –“esto es lo mío”-. La revista era el This is Rock, y el melenudo, del que decía ser “Uno de los Grandes Iconos del Rock Americano”, era Tom Petty.

Tom Petty..., me suena pero..., no caigo, oiga.

¿Quién carajo será Tom Petty?

Evidentemente, es el tío de la foto, me contesté a mí mismo en plan socarrón.
Por un momento creí autoconvencerme, pero rápidamente me asaltó la siguiente e inevitable pregunta.
¿Y qué música hace Tom Petty?

Miré a un lado, miré al otro, me sonrojé a gusto un ratito, compré la revista y me fui, dispuesto a escuchar sus discos en cuanto pudiese y a llenar ese vacío cultural que se me había creado de repente.

Pues ya está, ya he escuchado todos sus discos, ahí va la valoración.

Tom Petty hace lo que en Europa llamamos rock americano y en USA llaman simplemente rock. El rock americano, a mi modo de ver, es ese batiburrillo de rock ligerete con una buena dosis de country y algo de blues, apto para todos lo públicos, con buenas letras y buenas composiciones (léase Bruce Springsteen, “El Gran Icono del Rock Americano"). En sus principios, allá por 1976, el año en que publicó su primer disco, Tom Petty llevaba un rollo bastante estoniano, aunque más ligero, pero poco a poco se fue creando un sonido y un estilo propios.

Los discos son todos buenos y agradables de escuchar, y muchos de ellos tienen una factura muy diferente. Te puedes encontrar discos muy ligeros, llenos de canciones ideales para cantar alrededor de un fuego, pero también otros con mucho ritmo y fuerza.

En la revista recomendaban toda su discografía, pero hacían un especial inciso en estos discos:
“Damn the Torpedoes” (1979)
“Full Moon Fever” (1989)
“She’s the One” (1996)
Pero como siempre pasa, mi selección es otra, lo curioso es que esta vez hay una coincidencia. Es ésta:
“Hard Promises” (1981)
“Full Moon Fever” (1989)
“Mojo” (2010)

Tom Petty es un músico de los auténticos, de los buenos, de los que SIEMPRE están componiendo, y SIEMPRE tienen buenas ideas. Si no fuese así no editaría nada, no es de los que sacan discos porque sí. Es de esos músicos que tuvieron su gran éxito en épocas pasadas, pero no porque su música fuera mejor entonces, sino por cuestiones de mercado. El disco que más me ha gustado, y con diferencia, es el último, “Mojo”. Seguramente no tendrá el exitazo de “Full Moon Fever”, porque no es su momento, pero musicalmente (repito, a mi modo de ver), es mucho mejor que cualquier cosa que haya hecho.

“Mojo” es un disco perfecto, con un sonido depuradísimo, con quince buenísimas canciones de muy diferentes hechuras, con muchísimos momentos muy brillantes, con patrones rítmicos, armonías y melodías de una calidad altísima. Pero lo que más me gusta es que no hay ni una nota de más, es muy sencillo en su sonido, cada instrumento se puede escuchar a la perfección. Un gustazo. Atención especial a la guitarra solista, hay unos cuantos solos de esos que te quitan el hipo, pero con muy pocas notas, puestas justo en el momento apropiado.

“Mojo” es básicamente rock, pero se puede encontrar bastante blues, mucho más que en cualquiera de los discos de Tom Petty, y también algo de jazz, pequeñas trazas que le dan un aire estupendo al conjunto. Incluso hay un tema, “Don’t pull me over”, con un rollo reggae muy cálido y rítmico que te hace cabecear ligeramente al ritmo. Delicioso. De las quince canciones se pueden encontrar por lo menos siete u ocho delicatessen del nivel de “Don’t pull me over”, pero determinar cuáles son ya es faena del que sienta curiosidad por escucharlo. Yo, por supuesto, se lo recomiendo a todo el mundo, sean cuales sean sus gustos musicales. “Mojo” es una genialidad de un músico que nunca ha dejado de aprender y evolucionar y que ha plasmado todos esos conocimientos en un álbum fantástico con mucha sencillez. Un diez para Tom Petty. Y otro para The Heartbreakers.

Hawkwind – “Blood of the Earth” (2010)

2010-12-01T21:58:00.000+01:00

Hace poco, en el blog “Daze and Confused”, a raíz de una muy buena entrada sobre un concierto de Uriah Heep, los comentarios derivaron a plantearnos si éste es el mejor momento de la historia del rock, teniendo en cuenta el nivel que tienen las bandas de toda la vida sumado al de las de ahora. Cada uno lo puede mirar desde la óptica que quiera, objetiva o subjetiva, desde mi punto de vista la respuesta es SÍ.

Una buena muestra de ello son los legendarios Hawkwind, banda de rock espacial en la que estuvo Lemmy antes de formar Motörhead. Hawkwind tienen muchísimos discos muy buenos, que han ido sacando al mercado desde principios de los ’70, y el nuevo “Blood of the Earth” está a la altura de los mejores. Hawkwind, después de cuatro décadas de buena música, están en un forma excelente.

Hawkwind son unos de los mejores creadores de ambientes de la historia del rock. Su música está cargada de sonidos de fondo que, aunque sean de fondo, son los verdaderos protagonistas de las canciones y los que definen y dan forma a la música. Hawkwind crean ambientes hipnotizantes y cargados, que atrapan todos tus sentidos tanto si estás escuchando una canción lenta como una rápida.

El disco tiene temas muy enérgicos, que dan mucha vidilla al escucharlo, pero también otros lentos instrumentales de puro ambiente, y otros a medio tempo con patrones rítmicos muy entretenidos de seguir. El álbum es realmente excelente desde que empieza hasta que acaba, pero me gustaría destacar un temazo lento e instrumental que es una verdadera delicia, “Green machine”. Una guitarra con un sonido parecido a Satriani, se turna en su melodía con un sonido de teclado muy parecido, y de fondo un ambiente celestial y un suave ritmo de bajo acompañado con unos esporádicos toques de platillos igual de suaves. Una estupenda delicatessen que está situada en el disco entre la canción más cañera y la más rítmica. Estos tipos son unos maestros.

La música de Hawkwind es totalmente actual, pero se pueden encontrar reminiscencias psicodélicas y rasgos setenteros que, lejos de sonar a repetitivos, le dan un rollo mítico y místico muy interesante.

Un diez enorme para Hawkwind.

Scorpions, pasado y presente

2010-11-26T20:14:00.001+01:00

Scorpions, palabras mayores. Hace ya 38 años desde que sacaron su primer disco, repito, 38 años, y están plenamente en forma. Mira si lo están, que su nuevo trabajo “Sting In The Tail” es uno de los mejores de toda su carrera, y no sería muy aventurado decir que el mejor. Pero dejemos esto para el final…

Vamos a hacer un repasillo a su discografía. 17 discos de estudio, si no me equivoco, repartidos de forma muy diferente en cuatro décadas de historia musical que dan para mucho. Si dividimos la carrera discográfica de Scorpions en varias etapas, “Lonesome Crow” podría ser la etapa cero...

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Interpose+ - “Indifferent” (2007)

2010-11-22T19:30:00.002+01:00

Grupo japonés prácticamente desconocido de rock/jazz progresivo con la particularidad de que su vocalista Sayuri Aruga canta en japonés, lo que no deja de resultar curioso en ningún momento. El japonés no es el idioma del rock, pero no suena nada mal, y además le da un toque exótico muy interesante.

Pero lo interesante de verdad es la asombrosa técnica instrumental y vocal de los cinco componentes, no se salva ni uno, desde la cantante hasta el batería son todos unos virtuosos de primer orden. Destacaría a bajista, Dani (KBB), no se le oye demasiado, por eso recomiendo subir los bajos lo suficiente para escucharlo con claridad, es un auténtico monstruo.

La música de Interpose+ es pelín difícil de digerir, sobretodo en este disco, hay partes jazzísticas muy abstractas, atonalidades, y trozos especulativos de gran calidad técnica pero con muy poca melodía. Es lo único que hecho de menos del anterior disco.

La verdad es que el cambio de uno a otro es muy grande. En una entrada antigua comenté que Interpose+ habían grabado su primer disco (homónimo) con recursos técnicos muy limitados, y que merecían en su siguiente trabajo disponer de más presupuesto para grabar. Sin duda es así, la mejoría es enorme en casi todos los aspectos, sobretodo en el sonido, pero también en la voz de Sayuri, que ahora suena perfecta, y en la calidad de los instrumentistas. Las estructuras siguen siendo igual de complejas, y el uso de amalgamas hacen que sea difícil de seguir, pero como digo siempre, si se consigue es divertidísimo. Lo que hay mucho menos que en el trabajo anterior es melodía, por eso prefiero su primer disco, aunque éste sea mucho mejor técnicamente hablando.

El sonido no es nada espectacular, es muy sencillo, para que se escuche bien cada nota, y los tempos suelen ser tranquilitos, pero tienen algún trozo en el que se desbocan por completo y es una auténtica locura.

Muy recomendado, atención especial a Sayuri, pero también al resto de músicos, sobretodo es bajista, y a las amalgamas, y a las estructuras, vamos, a todo.

Stereophonics – “Keep calm and carry on” (2009)

2010-11-17T21:25:00.000+01:00

Indy-rock del bueno. Diría que éste es el mejor trabajo de Stereophonics, incluso mejor que el memorable “Language, sex, violence, other...” de 2005. Es de esos discos que entran a la primera. Tiene bastante marcheta, incluso momentos muy cañeros, de puro rock and roll, con potencia y brío, pero sin dejar de lado sus típicos temas tranquilitos con melodías imaginativas y enganchosas.
Lo que más me ha gustado es que Kelly Jones canta de una forma más fina, sin raspar tanto la voz, lo que se agradece bastante.

La música de Stereophonics no es muy llamativa, no es espectacular en ningún sentido, es más bien sencillita, pero este disco tiene algo que hace que no pueda parar de escucharlo una y otra vez. Posiblemente sea eso, su sencillez, y el que últimamente me dedique a escuchar estilos más técnicos y de repente, entre ese conjunto de genios musicales y bandas con sonidos muy sofisticados coloque a Stereophonics es como un descanso, pues su música entra sin esfuerzo alguno, es llana y directa, y un regalo para los oídos. Un diez para Kelly Jones y los suyos, que muy probablemente estarán entre los mejores de este año.

Skunk Anansie – “Wonderlustre” (2010)

2010-11-14T19:45:00.000+01:00

¿Os podéis creer que no había escuchado Skunk Anansie en mi vida? ¡Qué barbaridad! ¡Me he quedado pasmado!
No tengo ni idea de cómo es su música anterior. No puedo decir si “Wonderlustre” es más de lo mismo o un cambio radical en su carrera. Lo que sí puedo decir es que es una pasada. Me ha encantado. Es una mezcla explosiva de indy, punk, soul y pop en diferentes proporciones, con un sonido a ratos muy potente y muy trabajado, con canciones de muy diferente factura, rápidas, lentas, rítmicas, machaconas, de todo tipo, pero todas con una energía brutal, desbocada o controlada según el momento.

Energía que viene en un 90% de la voz de Skin, que canta de una forma tan apasionada que te pone los pelos de punta, con ese vozarrón de negra que tiene le imprime un poderío a todas las canciones que te deja tieso. Las negras tienen unas voces brutales, es un rollo que la mayoría se dediquen a estilos que no me van mucho. Sin ir más lejos, no hace mucho me llevé una decepción tremenda al escuchar el segundo trabajo de Noisettes, una banda inglesa que debutó con un disco punk-rock coloreado de music-hall y liderada por Shingai Shoniwa, una pedazo de cantante del estilo de Skin, o más bestia aún, pero que desgraciadamente se han pasado a un estilo mucho más convencional, muy poppy, que me dejó de piedra.

De “Wonderlustre” recomiendo todas sus canciones, pero especialmente “It doesn’t matter”, es sin duda la más tremenda de todas.

No paro de repartir dieces últimamente, otro enorme para Skunk Anansie, que me han dado un sorpresón.

David Bowie, el genial proscrito.

2010-11-11T21:23:00.000+01:00

Hasta ahora nunca había escuchado un disco entero de David Bowie. El contacto más directo que he tenido con su música fue en el festival de Doctor Music de 1996, en Escalarre, al lado de Esterri D’Aneu. Me gustó mucho su actuación, pero por H o por B no pasé de ahí. Las maravillosas facilidades que nos da internet tenían que acercarme un día u otro a su música. Y así ha sido. Ahora puedo decir que he escuchado unos 30 discos de David Bowie. Ahora puedo decir si me gusta o no.

No voy a explicar nada de Bowie, para eso hay infinidad de medios mucho más acreditados, pero sí voy a decir las conclusiones a las que he llegado después de escuchar toda su discografía en estudio, que, amigos, ha sido una verdadera aventura.

Ahí van esas conclusiones:

- El hombre muy cuerdo no es que esté. No, la cordura no es su fuerte. Pero tratándose de un músico esto puede ser muy positivo...

- Ha tocado todos los estilos. Repito, todos. Escuchar su discografía es una caja de sorpresas, no sigue una evolución en el estilo, cada disco sorprende respecto al anterior. Cada vez que ponía un nuevo CD pensaba: -“A ver qué se le ocurrió ese año”.

- Bowie no es un gran cantante, ni tiene una gran voz, pero tiene una mente privilegiada que no para de aportar ideas geniales y una tremenda facilidad para expresarlas y plasmarlas en un disco.

- Pero lo mejor que tiene, y es lo que sin duda le ha convertido en el pedazo de artista que es, es que ha hecho siempre lo que le ha dado la gana, importándole una mierda si aquella nueva y genial idea era vendible como producto discográfico o no. Eso es lo que más me gusta de él, y es lo que hace que le admire profundamente, su independencia total respecto al mundo, eso es lo que define a un artista, él crea y los demás ya dirán si les ha parecido bien o no, pero la influencia de esos demás nunca hará que a Bowie no se le ocurra otra excentricidad y la presente como su nueva obra.

- Bowie es uno de los grandes. De los grandes grandes de verdad. No ha vendido las millonadas de discos de Michael Jackson o Madonna, pero se le puede considerar un icono de la música moderna en todas sus vertientes y uno de los músicos (y personajes) que más han influido a lo largo de las últimas décadas.

No he curioseado por ahí qué discos son los más vendidos o valorados de David Bowie, pero sí sé los que más me han gustado a mí. Son estos:

- “Hunky Dory” (1971)
- “Ziggy Stardust” (1972)
- “Aladdin Sane” (1973)
- “Low” (1977)
- “Hours” (1999)

Y alguna que otra canción suelta como “Heroes” (Heroes 1977), “D.J” (Lodger 1979), “Modern Love” (Let’s dance 1983), o “Hallo Spaceboy” (Outside 1995).

Ya he conseguido tapar otra de esas lagunas de ignorancia musical que me molestaban sobremanera, y esta vez ha sido un verdadero placer. ¿A quién le tocará ahora? ¿Pink Floyd, Bad Company, Blue Öyster Cult, Marillion, Ted Nugent...? Ya se verá.

Joe Satriani – “Black Swans and Wormhole Wizards” (2010)

2010-11-07T19:15:00.004+01:00

Desde que tengo este blog no había podido aún comentar un nuevo disco del músico que más admiro. Llevo media vida enganchado a su música, y cada nuevo trabajo suyo ha sido siempre una alegría y una dosis de placer sonoro, sin excepción.

Aunque la verdad es que escuchar por primera vez un disco de Satriani es una sensación un poco extraña, sea el disco que sea. Si conoces bien su música y su anterior trabajo puedes notar enseguida que su técnica no ha perdido un ápice de calidad, al contrario; también puedes ver rápidamente si tal disco es más o menos cañero en su conjunto que el anterior; se pueden apreciar claramente los cambios en el sonido, las incursiones en otros estilos, el tono general, y otras cosas así. Pero decidir si ese disco que escuchas por primera vez es de los mejores o de los peores de su carrera es tarea imposible. Y tampoco después de escucharlo diez veces. La música de Satriani es como es, no es densa, pero de primera tacada cuesta separar las canciones unas de otras y definir sus estructuras. Después de escucharlo sabes que tiene melodías geniales, solos magistrales, partes lentas, partes rápidas, alguna excentricidad... pero es difícil decir qué canción es tu favorita o en qué puesto lo situarías en un hipotético ranking de sus mejores discos.

Mis conclusiones después de escucharlo unas cuantas veces son varias, pero no quiero arriesgar demasiado, que esto se queda aquí escrito y no se puede cambiar de opinión así como así.

- El disco es cojonudo, eso está clarísimo.
- El sonido y los arreglos son más complejos y sofisticados que en el disco anterior, “Professor Satchafunkilus...”.
- Si el tono general de “Professor...” era positivo y divertido, en este nuevo trabajo es mucho más serio y profundo. No es que sea más interiorista, porque el positivismo también sale de dentro, pero se pueden apreciar que ha habido un cambio en su vida (de la índole que sea) y ese cambio se refleja en su música. Ese tono serio y profundo coge visos solemnes en más de una ocasión, y en alguna de ellas roza la pomposidad, lo cual no molesta en absoluto.
- Ha añadido un teclista a la banda, Mike Keneally, que estuvo con Frank Zappa y Steve Vai. Resulta perfecto para crear ambiente y compactar el sonido, aparte de aportar más armonía. Me ha sorprendido este nuevo fichaje, pero más aún que en dos de las canciones tiene sus momentos para lucirse, y no los desperdicia, se marca un par de solos jazzísticos excelentes. Que yo recuerde, esto no había pasado nunca en un disco de estudio de Joe Satriani. Nunca es tarde para cambiar. Buen fichaje.
- La estructura del disco sitúa, como otras veces, las canciones con más gancho al principio y las más especulativas al final.
- Satriani siempre mete una baldita en sus discos, y en éste también, pero esta vez tiene unos aires retros que la diferencian de las que ha compuesto hasta ahora. Como todas sus baladas, es una delicia.

Más o menos hasta aquí puedo leer. El maestro Satch nunca defrauda, siempre está al más alto nivel. Y nunca descansa, su cabeza y su corazón no paran de crear más y más música, cada poco tiempo edita un nuevo y excelente trabajo para el disfrute de los buenos escuchadores de música. Otro diez para el que considero mejor guitarrista y mejor músico de todos los tiempos.

Cream – “Fresh Cream” (1966)

2010-11-03T20:58:00.001+01:00

Mi permanente y eterna lucha contra la ignorancia musical me ha llevado a escuchar Cream. Reconozco públicamente que nunca había escuchado un disco entero de ellos, al menos de forma consciente. Tengo excusa, este disco se editó unos años antes de que yo naciese. Lo sé, no es una buena excusa.

Cada uno se marca un punto límite que separa la música de “antes” y la de “ahora”, totalmente subjetivo. En los ’80, después de hastiarme del heavy metal y darme cuenta de que la música del momento no era lo mío, me dediqué a escuchar música de los ’70. También considero a los ’70 como mi “ahora”, porque en esta década aparecen y toman forma los estilos que más escucho hoy día, el rock progresivo y el metal, y el punk en un segundo término. Durante los ’80 también escuché mucho blues y soul de los setenta, que si bien sus inicios son anteriores, los setenta fueron una década muy brillante para estos estilos.

Pues bien, “Fresh Cream” marca ese punto de inflexión, “Fresh Cream” es el principio de mi “ahora”. En el disco hay mucho blues, pero también psicodelia, rock’n’roll y unos incipientes rasgos de rock progresivo, una mezcla muy curiosa que sorprende por su vigencia y que ha dejado huella, hay muchos grupos hoy en día que hacen música como Cream. Pero lo que sí que tuvo que ser un auténtico bombazo para la época es el estilo y el sonido de la guitarra de Eric Clapton, leyenda viva del rock.

Aparte de trascendencias musicales, “Fresh Cream” es estupendo, toda una experiencia escuchar este disco y cualquier otro de Cream, lo recomiendo a todo el que como yo hasta hace muy poco, no lo hay escuchado todavía y quiera aprender algo de historia musical sin necesidad de leer, sólo escuchando, y sacando cada uno sus propias conclusiones.

Colorsound – “Colorsound” (1999)

2010-11-01T18:29:00.001+01:00

En una de las escapadas de Ian Astbury, Billy Duffy, el guitarra de The Cult, formó su propia banda, Colorsound, y editó un disco homónimo. Está muy bien, hard rock metálico, con buenas melodías y muchos momentos brillantes. La única pega es que su parecido a U2 sobrepasa lo aceptable, tanto que roza la imitación. Aparte de eso, el disco es muy entretenido de escuchar, tiene un sonido agradable pero potente, y estribillos con mucho gancho.

The Cult

2010-10-29T22:25:00.001+02:00

The Cult ha sido otra de las bandas que he escudriñado al detalle. No me he llevado ninguna sorpresa. Más o menos, escuchar todos sus discos ha sido lo que esperaba. The Cult no me gustaban mucho antes y siguen sin gustarme mucho ahora. La clave de la banda es su cantante, si no te gusta su cantante no te gusta la banda.

Vamos a ver, Ian Astbury no es que no me guste como canta, dos ó tres canciones las aguanto bien, lo que encuentro es que me parece siempre lo mismo, se me hace muy monótono, siempre el mismo tono, siempre el mismo deje... creo que tiene una gran voz pero que no la explota con su técnica, que con todos los respetos, veo limitada.

Con los discos me pasa lo mismo. Escuchar uno está bien, pero todos seguidos se me hace aburrido. No encuentro una evolución, suenan demasiado parecidos, excepto “The Cult” (1994), que fue una apuesta por el cambio bastante arriesgada, y “Beyond good and Evil” (2001), que simplemente se adaptan a las exigencias del mercado del momento.

No tengo nada más que decir. Se abre foro. Si alguien cree que debo fijarme en tal o cual cosa para que The Cult consigan gustarme éste es el sitio ideal.

Farmer Boys – “Countrified” (1996)

2010-10-27T21:42:00.001+02:00

Le llaman “nu metal”, que según la wiki es un estilo alternativo de metal que da más importancia al ambiente que a la melodía. Farmer Boys, al menos en este disco, le dan importancia al ambiente, pero también a la melodía.

Farmer Boys me tocan los dos polos. Tienen canciones que me encantan, y tienen canciones que no soporto. Incluso hay temas en que la estrofa me encanta y el estribillo no lo soporto, o al revés. Me encanta no lo soporto, me encanta no lo soporto. Thrasheos y metalrapeos por un lado, y melodías encantadoras por otro. Guitarras demasiado potentes para mi gusto por un lado y ambientes excelentes que ni Porcupine Tree por el otro, voces sucias y desgarradoras por un lado y por el otro una combinación de suavidad y potencia que ni Chad Kroeger (Nickelback).

Lo que no me divide en absoluto y además creo que es lo mejor que han hecho, es una potentísima versión de un tema de Depeche Mode, “Never let me down again”, a su estilo, claro está, acompañados de Anneke van Giersbergen (The Gathering). Es una de esas canciones que se te graban y no te la quitas de encima en todo el día, roza la perfección.

Mitch Laddie – “This time around” (2010). Lo mejor del blues desde Steve Ray Vaughan.

2010-10-25T20:49:00.000+02:00

Impresionante amigos. Si conserváis aunque sólo sea una pequeña parte de la capacidad de asombro que se tiene en la niñez escuchad este disco y dejad que se os abra la boca. Escuchando según qué pasaje se diría que es la reencarnación de Steve Ray Vaughan. En este caso no me gusta decir que lo imita, prefiero decir que lo homenajea. Un verdadero placer escuchar una guitarra con el mismo estilo y técnica que el maestro Vaughan y con el sonido depurado y perfecto que pueden proporcionar los medios actuales.

Mitch Laddie es un virtuoso como pocos, pero quizá sea aún más relevante su pasión y su sensibilidad, te pone los pelos de gallina, te hace cerrar los ojos para sentirlo mejor, sólo con los oídos, te llena del todo. Mitch Laddie, amigos, es un fenómeno. Y aún no he dicho nada de su voz. Podría encajar perfectamente en una banda de indy inglés, o en un grupito pandillero de niñatos guapísimos de esos que bailan sin parar y enloquecen a las adolescentes, pero la moldea a su gusto adaptándola perfectamente al momento. Y su técnica cantando es tan precisa y perfecta como tocando. Lo mismo digo de la pasión y la sensibilidad que le imprime. Un fenómeno.

Pero lo que más sorprende, y esto sí que me ha dejado boquiabierto de verdad, es que tiene tan sólo ¡19 años!!! Es un chavalote paliducho y regordete que no aceptarían en ningún grupito de esos de niñatos que bailan. El futuro que tiene Mitch Laddie es inmenso. Nos va a dar muchísimas alegrías este mozalbete.

Mitch Laddie es un bluesman del siglo XXI, hace blues pero le añade otros componentes que le pueden hacer ganar muchos adeptos fuera del estricto escuchador de blues. Sin ir más lejos, “Mr. Johnson” es un temazo instrumental que recuerda al Satriani más suave.

Ha nacido una estrella, amigos bloggeros. Si no lo habéis escuchado aún haceros un favor y escuchadlo lo antes posible, no es difícil de encontrar. Os juro que no os defraudará.

UnSun – "Clinic for dolls" (2010)

2010-10-20T21:28:00.001+02:00

El nuevo trabajo de UnSun parece un disco de restos, lo que les sobró de “The End of Life” (2008). Para sacar unos durillos y promocionarse está bien, pero para seguir una línea de evolución musical se queda muy justito.
El sonido es algo diferente, es más definido y compacto, pero las canciones no tienen la brillantez del anterior.
Y lo que más hecho de menos es esa intensidad, esa calidez y esa sensualidad en la voz de Anna Stefanowicz. Está algo fría y distante.
Si UnSun quieren triunfar en este complicado mundillo tendrán que aportar nuevas ideas en su próximo disco.
Pondría alguna fotillo de Anna, pero rebuscando por la red no encuentro gran cosa, así es que para ello no hay más remedio que ir a Generación.net o a la entrada de Mis Musas.

Triángulo de Amor Bizarro - "Año santo" (2010)

2010-10-19T19:39:00.002+02:00

El disco está muy bien, pero no es lo que me pide el cuerpo en estos momentos. El sonido ha cambiado un poco, se puede decir que se han pasado, o se están pasando, del underground al indy, pero siguen siendo los de siempre, música caótica algo difícil de digerir, sonidos industriales, extrañas letras y canciones imaginativas.

¿Te gusta Van Halen? A mí no.

2010-10-18T21:04:00.002+02:00

El primer disco de Van Halen (“Van Halen I” – 1978) es uno de los mejores de la historia del rock. Dejaron al mundo boquiabierto. Estaba a años luz de todo lo que se había hecho hasta el momento. Su estilo, un incipiente heavy-rock, sus actuaciones en directo, el carisma de su cantante, Dave Lee Roth, su imagen y sobretodo la manera de tocar y el sonido de la guitarra de Eddie Van Halen...

... leer más en Generación.net.

Antes de pinchar en el enlace de Generación.net vigila, porque los pongo a parir, si te gusta Van Halen es mejor que te abstengas.

Éste es ese disco del que hablo al principio del artículo:

Estos son Van Halen:

Y éste es Eddie Van Halen, un monstruo:

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Mis musas

2010-10-13T22:33:00.005+02:00

Orianthi

Analizando las estadísticas de entradas visitadas en mi blog se puede extraer una conclusión muy clara. Lo único que os interesa, cabroncetes, son las fotos las titis. Muy bonito está eso, pero que muy bonito. ¿Qué dirá vuestra madre? ¿Os lo habéis parado a pensar?

Menos mal que tengo algún amiguete que se esfuerza un poco en leer las curradas que me pego escribiendo.

Pero como veo que no hay nada que hacer con vosotros, os voy a dar el gustazo, mira si soy majo. Os voy a poner unas cuantas fotos de las titis que más admiro actualmente del mundo de la música.

La primera de todas, cómo no, Avril Lavigne, la Mocosa Flacucha (Premio Gómez 2007). Como ya dije en un articulo para Generación.net, me gusta Avril Lavigne, ¿qué le voy a hacer? No es culpa mía, ha sido ella.

Hiromi Uehara. Hiromi (PG 2009, mejor teclista). La mejor pianista del Universo.

Agnete Maria Kjosrud, voz de Animal Alpha. Está poseída por el Demonio. Si no tenéis bastante con la foto escuchad su música y lo comprobaréis.

Laleh, sueca de origen iraní (PG 2008). Su estilo no tiene nada que ver con nada de lo que suelo escuchar, pero canta con una intensidad que me tiene pillao.

Alison Goldfrapp, la cabaretera del siglo XXI.

Silje Nergaard (PG 2007), la dama nórdica del jazz.

Nina Persson, líder de audiencia en este blog. No sólo es guapa. Deja de mirar su foto y escúchala cantar.

Alanis Morissette. Pues eso, Alanis Morissette.

Jemina Pearl. Voz de Be Your Own Pet, si no los conoces te los recomiendo, punk del bueno.

Juliette Lewis (PG 2005). Esta foto es de lo más discretito que he encontrado. Es una salvaje. ¿Habéis visto “Asesinos natos”?

Andrea Corr, una de las mejores voces del panorama actual. Aunque su disco en solitario deja bastante que desear.

Lovefoxx, voz principal de Cansei de Ser Sexy. La foto la hice yo mismo en un concierto. Creedme, está loca de remate.

Aleena Gibson, una de las voces de Kaipa en su nueva etapa.

Aquí voy a hacer un paréntesis para dejaros claro que no vais a encontrar ninguna foto de Jennifer Lopez, ni de Rihanna, ni de Beyoncé, las que aparecen aquí son mis musas, no las vuestras.

Anna Stefanowicz, de UnSun, grupo polaco de neogótico.

Chistina Booth, voz de Magenta (PG 2009). Sencillez espectacular.

Maja Ivarsson. The Sounds (PG 2006). Energía pura.

La China Patino, de los madrileños cyberpunkarras Cycle. La imagen es lo de menos. ¿No?

Dolo Beltrán, la otra española, cantante de Pastora.

Courtney Love. ¿Hay alguien que no la conozca? Ésta también esta loca, pero loca de verdad.

Tippi, de The Hedrons, grupo femenino de garage rock escocés. Espero con ansiedad su segundo disco.

Mira Aroyo, hipnotizante voz de Ladytron.

Skye Edwards, de Morcheeba. De lo que ha hecho en solitario no me ha gustado casi nada, está mejor con Morcheeba.

Karen O, desgarradora vocalista de Yeah Yeah Yeahs.

Y Duffy, el nuevo icono del soul moderno, muy blanquita ella.
Una técnica espectacular pero algo fría. Hay otro icono del soul actualmente, según dicen, pero ¿estáis seguros de que Eimi Güeinjaus representa algo?

La verdad es que, visto desde aquí, no se reflejan demasiado mis gustos musicales. Mucho rock ligerete y pop. Es lo que hay, es una lástima, pero a las mozas no les va demasiado el metal y el rock progresivo.

15-12-2010

Las musas de uno nunca son las mismas, y quitar no quitaré ninguna, pero añadir sí. Ahora tengo tres más:

Skin, el vozarrón de Skunk Anansie.

Sayuri Aruga, voz del grupo japonés de rock/jazz progresivo casi desconocido Interpose+, que tiene la particularidad de cantar en japonés.

Chibi, la encantadora cantante de The Birthday Massacre.

UFO y el genial Michael Schenker.

2010-10-11T20:25:00.000+02:00

UFO es una de esas bandas cuya discografía queda definida de forma determinante por la presencia o la ausencia de uno de sus músicos. Voy a dedicar un párrafo entero sólo para su nombre.

Michael Schenker.

Hay un antes y un después de Michael Schenker en la discografía de UFO. Es una etapa tan marcada que nada tiene que ver con el resto. Me atrevería a decir que UFO sin Michael no son UFO. Obviamente me refiero a la primera de las dos etapas que M.S. formó parte del grupo, entre “Phenomenon” (1974) y “Obsession” (1978), años en que la banda era una formación compacta. En la segunda etapa, mucho más reciente, hicieron alguna cosa buena, pero parece más un conjunto de intereses que de músicos.

“Phenomenon” (1974)
“Force it” (1975)
“No heavy petting” (1976)
“Lights out” (1977)
“Obsession” (1978)

Estos son los discos buenos de UFO, los auténticos, los que los consagraron como unos de los grandes. Durante esa etapa superprolífica regalaron al mundo un hard rock exquisito, imaginativo al máximo, con decenas de pequeñas obras con personalidad propia. Cada vez que pienso o escucho uno de esos discos la palabra que más se me viene a la cabeza es “Magia”. Las melodías de la mayoría de esas canciones son pura magia, la peculiar voz de Phill Mogg y su estilo relajado es pura magia, y sobretodo, los solos y el sonido de la guitarra de Michael Schenker son pura magia.

Dicen que es un tipo irascible, intratable, alcohólico y no sé qué más. Dejemos todo esto de lado, esto no es el “Hola”, lo importante es su música, porque lo cierto es que nada de eso se refleja en ella. Cuando suena un solo de Michael Schenker por nuestros altavoces tienes que dejar lo que estés haciendo y prestar atención, sería delito no hacerlo. Sobretodo en aquellos lentos, como el de “High flayer”, una balada del “Force it”, creados y tocados con una sensibilidad infinita que te pone los pelos de punta.

Phill Mogg es un gran cantante, pero Michael Schenker es un genio, y cuando se fue de UFO para crear su propia banda, se llevó su magia con él. Y resultó ser “toda” la magia de UFO. A partir de ahí Phill Mogg y los suyos continuaron sacando discos sin parar, pero no acabaron de fraguar como banda. Probaron mil cosas, sonidos más dulces y ochenteros, o más potentes, se pasearon entre el AOR y el heavy metal duro como buscando alguien a quién gustar, sin lograr definirse, ni ser nunca tocados por esa mano divina que te ayuda a crear una genialidad.

Michael Schenker volvió con UFO y editaron tres discos. “Walk on water” (1995) es lo mejor que hicieron, pero sin llegar ni mucho menos a los niveles de calidad que alcanzaron en aquella genial etapa de los ’70.

UFO son esos cinco discos, cinco maravillas que quedarán ahí para siempre, y que gracias a ellas, hagan lo que hagan, se les podrá seguir considerando como una de las mejores bandas de hard rock de todos los tiempos.